Характеристики классической музыки: введение

Периоды музыки часто горячо оспариваются и сопровождаются представлением о том, что за одну ночь один музыкальный период волшебным образом трансформируется в другой. Представьте, что вы засыпаете в стиле барокко, а просыпаетесь в совершенно новом классическом мире. Для целей этой статьи мы согласимся с тем, что классический период длился примерно с 1750 по 1820 год. В этой части я рассмотрю музыку и ее характеристики, чтобы дать представление о ключевых особенностях музыки этого периода.

Характеристики классической музыки

Музыка барокко появилась непосредственно перед классическим периодом, и многие ее черты естественным образом перетекли в новый классический период. Однако многие характеристики барокко начали приходить в упадок в пользу свежего взгляда на музыку и все искусства. Классическая эпоха возникла в результате реакции на многие устоявшиеся музыкальные нормы, и композиторы работали над созданием совершенно другого звучания.

Классическая музыка, как и классическая архитектура, строила свои структуры на основе симметрии и кажущейся простоты. Формы, которые доминировали в греческой и римской империях, теперь начали возрождаться в мире классической музыки. Композиторы начали отказываться от сложной полифонии^[1] барокко в поддержку более гомофонных^[2] форм. Богато украшенные мелодии, часто встречающиеся в музыке барокко, уступают место размеренным, ритмичным мелодиям.

Именно в классический период окончательно принимается идея шкалы равной темперации, и тональность, как мы ее признаем даже сегодня, становится прочной. Увеличение динамического диапазона (громкости) развивается в этот период музыки по мере улучшения качества инструментов. Композиторы указывают эту динамику в нотации своих партитур, чего не было в более ранней музыке.

В этот период музыки мы также входим на знакомую территорию с точки зрения известных композиторов. Моцарт и Гайдн, два самых известных и уважаемых композитора, которые когда-либо жили, были столпами классического движения. Это не означает, что никакие другие композиторы не были равны им, но что именно их имена и их музыка сохранились спустя сотни лет после их смерти. Именно эти два удивительных композитора во многом определили путь развития классической музыки и заложили краеугольные камни будущих стилей музыки.

Почти независимо от классического композитора, который вы выбрали для прослушивания, есть черты, присущие большинству музыки этого периода, которые вы можете слушать. Есть много музыкальных форм, которые становились все более популярными как у композиторов-классиков, так и у их слушателей, о которых необходимо упомянуть перед более детальной оценкой характеристик музыки.

От барочной сюиты исходит соната и сонатная форма. Возникновение симфонии как музыкальной формы происходит вместе с развитием оркестра и инструментов, которые в нем задействованы. Камерная музыка становится все более популярной как у Моцарта, так и у Гайдна, чемпионов Струнного квартета и Струнного квинтета. Концерт остается популярной музыкальной формой в классический период, а также священными музыкальными формами мессы и оратории. Опера начинает совершенно новый путь как средство богатого музыкального выражения как комической, так и серьезной оперы.

Каковы особенности музыки классического периода?

В построении мелодии слышна доминирующая черта классического периода музыки. Регулярная или периодическая фразировка распространена в музыке многих композиторов-классиков. Это означает, что мелодия часто состоит из четных, одинаковых тактов^[3]. Наиболее распространены мелодии, которые образуют фразу из восьми тактов, поровну разделенную на две части по четыре такта. Это придает тщательно выверенное звучание многим любимым классическим мелодиям.

Еще одна причина привлекательности этой фразы — гармония, лежащая в основе мелодии. В классический период приходится высота тонального строя с четкой полярностью тоники и доминантного лада. Тоника относится к начальной или домашней тональности пьесы, а слово «доминанта» относится к следующей наиболее гармонически важной тональности, то есть к ^пятой; на основе 5^-й ноты гаммы.

Чтобы проиллюстрировать это, скажем, что если бы музыка была написана в тональности ля, то доминанта была бы на пять нот выше ля (ля считается номером один), давая доминанту ми. Мелодия обычно перемещалась бы от тоники к доминанте. в течение первых четырех тактов, после чего следует возврат к тонике в течение вторых четырех тактов.

Сила тональной системы и притяжение тонических доминирующих отношений придавали структуру более крупным формам, чем просто композиция мелодии в классический период. Это позволило композиторам разработать чрезвычайно инновационную музыкальную форму, названную «формой сонаты». Эта структура обеспечила строительные блоки для концертов, симфоний и сонат.

Принцип формы прост. В чистом виде есть три раздела, которые составляют всю форму. Это экспозиция, разработка и реприза. В первом разделе (экспозиции) композитор обычно представлял две контрастные темы; один основан на тонике, другой на доминанте. В разделе разработки композитор исследует мелодические, ритмические, фактурные и гармонические возможности каждой темы. В заключительной части формы (резюме) мы слышим те же темы в новой, а иногда и в переработанной форме.

То, что форма сонаты предлагала композиторам в классический период, было гармонической элегантностью тонической доминирующей системы и возможностью полностью исследовать материал своих композиций, а не просто утверждение мелодии. Если вы слушаете первую часть симфонии, концерта или сонаты классического периода, скорее всего, она написана в сонатной форме.

По мере того, как инструменты начали развиваться в классический период, мы обнаруживаем, что оркестр также начинает приобретать новое звучание. Введение кларнета в секцию деревянных духовых существенно изменило тембр классического оркестра. Композиторы все чаще использовали до четырех валторн, две трубы и литавры (барабаны-чайники).

Струнная секция оркестра увеличилась в размерах и теперь включает в себя отдельные секции: первую и вторую скрипку, альт, виолончель и контрабасы. От ранних симфоний Гайдна, где исполнителей могло быть всего тридцать, до его последних симфоний, где исполнителей было ближе к шестидесяти. Это резко изменило возможности разных композиторов исследовать новые звуковые комбинации в своих композициях. Это, безусловно, допускало то, что описывается как движение sturm und drang (шторм и натиск) в немецкой литературе, где в центре внимания произведения был огромный контраст эмоционального выражения^[4].

Фортепиано стало занимать центральное место в линейке доступных инструментов для изучения композиторами-классиками. Он оставил позади звенящую ненадежность клавесина и по мере своего развития превратился в инструмент с большим диапазоном и выразительными возможностями. Сонаты и концерты для фортепиано составляют большую часть классического репертуара. Соната для фортепиано предназначена для более интимной обстановки и часто сочиняется по специальному заказу благородного покровителя. Концерт становился все более популярным средством виртуозности и ослепительного зрелища.

Типичной классической чертой фортепианной музыки того времени является бас Альберти. Он был назван в честь композитора 18 века ^{Доменико} Альберти^[5] (1710-1740). Сопутствующая фигура, то есть бас альберти, состоит из аккорда, разбитого на кваверы (четвертные ноты) или полукваверы (восьмые ноты), при этом основная нота аккорда звучит первой. Эта аккомпанирующая линия будет играться левой рукой пианиста, в то время как правая рука будет играть мелодию выше. Эта идея широко использовалась Гайдном и Моцартом, а Бетховен позже перенял ее и во многих своих фортепианных произведениях.

Было бы ошибкой не упомянуть важную музыкальную форму под названием рондо^[6] в заключение этой статьи. Эта широко распространенная музыкальная форма произошла от риторнели (малая отдача), популярной в стиле барокко. Форма рондо часто использовалась в финальных частях симфоний, концертов и сонат в классический период. Это была также форма, которую любил Моцарт, поскольку она давала ему почти безграничные музыкальные возможности. Форма работы с открывающей темой, за которой следует контрастная; затем снова возвращение вступительной темы. Обозначается так: ABACAD и т.д.

Наконец, список нескольких действительно ключевых классических произведений, которые всем, кто интересуется этим периодом музыки, рекомендуется послушать и изучить. Во многих из этих знаковых произведений вы можете услышать черты, которые скрепляли это великое время в музыкальной истории.

Гайдн:

Струнное трио № 26 соль мажор: Hob.V:G4

Струнные квартеты Op.76; № 1-4

Соната для фортепиано до минор: Hob. XVI/20

«Лондонские» симфонии №№ 93–98

Оратория «Сотворение мира» – Hob.XXI/2

Моцарт:

Симфония №40 соль минор; К.550

Концерт для фортепиано с оркестром ля мажор; К.488

Соната для фортепиано ля минор; К.300

Струнный квартет №17, «Охота»; К.458

Волшебная флейта; К.620

Ссылки

[1] Под полифонией понимается использование множества голосов или мелодических линий, звучащих одновременно. Одним из примеров полифонической музыки эпохи барокко является фуга.

[2] Гомофоническая музыка в своей простейшей форме представляет собой мелодию плюс аккомпанемент.

[3] В качестве хорошего примера правильной фразировки послушайте начало симфонии «Прощание» Гайдна.

^{[4] 46 -я} симфония Гайдна — хорошая отправная точка для бури и натиска.

[5] https://www.britannica.com/biography/Domenico-Alberti#ref129107

[6] Знаменитое рондо — это третья часть ля мажорной сонаты K.331 с прозвищем «Рондо а ля Турка».

 Доктор Джастин Уайлдридж